La suerte del cineasta español Carlos Saura, creador de hitos de la pantalla como Ana y los lobos y Cría cuervos, que acaba de cumplir 91 años, hubiera sido distinta si la primera parte de su carrera no hubiera transcurrido durante el franquismo.
Saura evitó el choque frontal con el régimen, por lo que su colega Juan Antonio Bardem había sufrido persecución y cárcel (estuvo entre rejas y debió suspender el rodaje de Calle mayor, en 1956, por su militancia comunista) y eligió el camino de la alegoría, de la metáfora, del guiño, y así les abrió el camino a directores como Jaime de Armiñán, José Luis Borau, Mario Camus y Jaime Chávarri, que tras la muerte del Caudillo pudieron hablar de España, de su Guerra Civil y de otros ítems de su historia con herramientas parecidas a las suyas.
Creador mayor y prolífico, marcó esa ruta con una estética muy refinada en la que no fueron ajenos los fotógrafos que eligió y respondían a los nombres de Luis Cuadrado, Teo Escamilla, José Luis Alcaine, José Luis López-Linares y Vittorio Storaro, entre otros, además de sus propios intereses estéticos, a lo que agregó una coherencia ideológica inquebrantable.
Nacido en Huesca, Aragón, el 4 de enero de 1932, vivió con su familia en zonas republicanas durante el conflicto, hasta que en 1941 se estableció en Madrid para ejercer la fotografía, una de sus actividades predilectas hasta el día de hoy; hasta que a los 29 años creyó que el cine era lo suyo y se inscribió en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas (IIEC), donde obtuvo el título de realizador en 1957 con el corto La tarde del domingo y más tarde consiguió trabajo como profesor de prácticas escénicas.
Su debut en el largometraje fue con Los Golfos (1960), un acercamiento a la juventud marginal española con influencias del Neorrealismo italiano que, al ser candidato a la Palma de Oro en Cannes, despertó las iras de la censura franquista por mostrar una realidad ajena a los mantones y las «españoladas» habituales, inevitables en una industria presa de la liviandad y del concepto propagandístico.
Fue en ese festival cuando estableció una cercana amistad con Luis Buñuel, quien había llevado la producción mexicana-estadounidense La Joven, y de quien se declaró su ferviente discípulo.
Su segunda película, Llanto por un bandido (1964), con Francisco Rabal, se acercaba a la vida de un bandolero rural seguido por un campesinado que al final traiciona, y en la que quiso ubicar a Buñuel como actor en el papel de un verdugo. La censura hizo cortar las secuencias en las que aparecía el gran creador y el film pudo ser estrenado, aunque sin éxito.
Luego de esos tropiezos siguió ejerciendo como profesor en la Escuela Oficial de Cinematografía e inició una etapa de colaboración con el productor Elías Querejeta que duró 16 años a partir de 1965, cuando dirigió La Caza, una áspera alegoría sobre el poder y las clases sociales en su país, que le ofrendó su primer Oso de Oro en Berlín como director.
Fue entonces cuando conoció a Geraldine Chaplin, quien venía de filmar Doctor Zhivago y con quien convivió hasta 1979, y a la que colocó de protagonista en Peppermint frappé (1967), Stress-es tres-tres (1968) y La Madriguera (1969). En El jardín de las delicias (1979) fue una extra sin acreditar y más tarde en la icónica Ana y los lobos (1973) y su continuación, Mamá cumple cien años (1979), junto al exiliado argentino Norman Briski.
Mientras tanto la dupla trabajó en Cría cuervos (1976), con otro exiliado argentino, Héctor Alterio; Elisa, vida mía (1977), también con Briski, y Los ojos vendados (1978), películas enfocadas en lo político, social y psicoanalítico, que en algunos casos contaron con la colaboración en sus guiones de Rafael Azcona y donde el inmediato pasado español surgía como antes hubiera sido imposible.
Sin Geraldine en los elencos, la filmografía de Saura, que en la Argentina no se conoce completa, siguió con Deprisa, deprisa (1981), sobre jóvenes desorientados, y ese mismo año su amistad con el bailarín Antonio Gades lo llevó a inaugurar juntos su ciclo de flamenco iniciado con Bodas de sangre y completado con Carmen (1983) y El amor brujo (1986).
Otras de sus películas fueron Dulces horas con Assumpta Serna, Antonieta (1982) con Isabelle Adjani, Los Zancos (1984) con Fernando Fernán Gómez, Laura del Sol y Antonio Banderas; El Dorado (1988) con Omero Antonutti y Eusebio Poncela, La noche oscura (1989) con Juan Diego, ¡Ay, Carmela! (1990), con Carmen Maura y Andrés Pajares, y la vuelta al musical con Sevillanas (1992), ya sin Gades.
Ese año participó como director en un episodio («El Sur») de la serie de tevé argentina Cuentos de Borges, junto a varios realizadores españoles y entre ellos el argentino Héctor Olivera, con un elenco integrado por Banderas, Peter Boyle, Pastora Vega, Fernando Guillén y los locales Hugo Soto, Miguel Dedovich y Gustavo Garzón.
Volvió al cine de argumento con ¡Dispara! con Banderas y Francesca Neri, más Goya en Burdeos (1999) con Paco Rabal, y los musicales Flamenco (1995), Iberia (2005), Fados (2007), Flamenco, Flamenco (2010) y Jota de Saura (2016), a los que hay que agregar la híbrida Tango (1998), rodada en la Argentina, con Miguel Ángel Solá, Cecilia Narova, Juan Carlos Copes y Mía Maestro.
Su última visita al país fue para filmar Zonda, folclore argentino, estrenada en 2015 durante la postrera edición del festival Pantalla Pinamar, en esa ciudad balnearia. El maestro volvió a seducir con sus espejos móviles, sus encuadres, sus proyecciones dentro de la proyección, sus movimientos de cámara, pero por fuera de su voluntad el asesoramiento recibido no alcanzó a incluir figuras centrales (José Larralde, Nacha Roldán, Teresa Parodi, Ramona Galarza), a cambio de entronizar a otras surgidas del marketing o venidas de las márgenes del género.
En 1997 adaptó al cine su propia novela, Pajarico, y luego filmó entre otros títulos el musical Salomé (2002) y el biodrama Io, Don Giovanni (2009, en Italia), las tres desconocidas por estas playas.
En 2022 Carlos Saura recibió el Goya de Honor a la trayectoria en la 37ª edición de los Premios Goya, que se suma a otros de los que recibió como la mención especial del Festival Internacional de San Sebastián 1958 por el corto Cuenca, el Oso de Plata al mejor director en Berlín 1966 por La Caza, uno similar en 1968 por la referida Peppermint frappé, y otras tantas distinciones que se pueden conocer a través de las plataformas virtuales.
