El hip hop como música y cultura surgió en la década de 1970, cuando las fiestas de barrio estaban de moda, particularmente entre los jóvenes negros, caribeños y latinos que vivían en El Bronx, en Nueva York.
En una fiesta de regreso a la escuela el 11 de agosto de 1973, DJ Kool Herc, un DJ jamaicano-estadounidense, pinchó pistas de hard funk de cantantes como James Brown. Luego, hizo algo un poco diferente: mezcló pausas de batería de diferentes canciones, creando los ritmos sincopados que se convertirían en la base del hip hop. El efecto fue eléctrico. Otros elementos del hip hop, como el breakdance, el rap y el grafiti, tomaron forma rápidamente y se extendieron por todo Estados Unidos.
DJ Kool Herc.
El mensaje principal del hip hop, centrado en las experiencias de la juventud de la clase trabajadora, se apoderó de la imaginación de muchos estadounidenses, especialmente de las comunidades marginadas.
«El hip hop no habría sido tan formidable como género musical si no hubiera sido producido o vocalizado por este grupo demográfico», dijo a Insider Aisha Durham, profesora de comunicación en la Universidad del Sur de Florida. «Algunas de las formaciones de hip hop más innovadoras que ves hoy todavía provienen de esas comunidades que pueden sentirse alienadas, descontentas o, de alguna manera, vulnerables, económica, social o políticamente», añadió.
El surgimiento del hip hop
La desindustrialización en la década del setenta, cuando los principales fabricantes como Ford se retiraron de las ciudades, provocó tasas de desempleo de dos dígitos e inflación en lugares como la ciudad de Nueva York, lo que afectó de manera desproporcionada a comunidades ya marginadas.
Las difíciles condiciones económicas llevaron a una expansión de los mercados clandestinos. «Muchas canciones de hip hop hablaron sobre la inflación, el desempleo, el encarcelamiento, el tráfico sexual y el trabajo sexual como resultado», según explicó Durham.
El hip hop también surgió durante el período Black Power, inmediatamente después del movimiento por los derechos civiles en los años cincuenta y sesenta. Junto con la afluencia de la migración del Caribe, esto creó un poderoso contexto social en el que las comunidades negras y latinas de la diáspora consideraron que pertenecían a la nación. El hip hop fue una forma de expresar esto.
El género recibió cierto rechazo en sus primeros días por la forma en que llamó la atención sobre los fracasos de la generación anterior, incluso de MTV, dijo Durham. «No fueron los derechos civiles de tu madre o la música Motown. Hay una especie de política de respetabilidad en la que no se invierte en el hip hop», indicó Durham a Insider.
Los ochenta y la era dorada del hip hop
La era dorada del hip hop desde finales de los ochenta hasta los noventa se caracterizó por una mayor diversidad, innovación e influencia. Si bien algunos artistas habían tenido conciencia social pero no habían tenido mucho éxito comercial, grupos como Public Enemy y cantantes como Queen Latifah «ofrecieron una especie de modelo sobre cómo puedes ser comercializable con un mensaje», dijo Durham, describiendo la tensión que existía entre producir jóvenes la música que a la gente le gustaba bailar, frente a la música políticamente consciente.
Esta nueva ola de artistas de hip hop siguió los pasos de pioneros como Sylvia Robinson, quien se basó en la música disco y el funk para «empaquetar una cultura en una industria comercializable y económicamente viable», según Durham. Robinson había navegado por el sexismo inherente de la industria para encabezar el sello enormemente influyente Sugar Hill Records, que firmó algunos de los mejores grupos de hip hop, incluidos The Sequence, Grandmaster Flash and the Furious Five y Funky Four Plus One.
El gangsta rap también surgió durante la era dorada, catapultando al hip hop a uno de los géneros musicales más rentables de los noventa. Pero también reiteró las representaciones estereotipadas del «hombre negro violento y agresivo y la mujer negra sobresexualizada», especialmente entre los consumidores no afroamericanos que probablemente desconocían los problemas sociales subyacentes como la adicción a las sustancias, la guerra contra las drogas, la brutalidad policial, la inseguridad y la vivienda, dijo Durham.
Importancia política renovada
Después de una disminución en las ventas a principios del nuevo milenio, lo que hizo que algunos se preguntaran si el hip hop estaba muriendo, el género adquirió un significado político y social renovado a raíz del movimiento Black Lives Matter, que se formó en 2013 después de que el asesino de Trayvon Martin fuera absuelto.
“Gente como J. Cole, Kendrick Lamar y Mumu Fresh también están hablando de temas de violencia, algunas de las mismas conversaciones que teníamos con Sugar Hill Records, pensando en el racismo, el clasismo y otras formas de discriminación”, dijo Durham.
«El hip hop sigue una larga historia de protestas en la música afroamericana, como el blues y el jazz, que de manera similar hablaban de problemas de violencia policial y desigualdad», consideró Tyina Steptoe, profesora de historia en la Universidad de Arizona. Tras el asesinato de George Floyd en 2020, canciones como The Bigger Picture» de Lil Baby y Get Up de T-Pain discutieron explícitamente temas de opresión, brutalidad policial y protesta.
«Incluso cuando el hip hop se movió fuera del sitio inmediato del sur del Bronx, en su corazón, todavía está pensando en las experiencias ordinarias y cotidianas de las comunidades de color», sostuvo Durham. «El hip hop todavía resuena hoy porque la gente de todo el mundo continúa lidiando con problemas de inequidad… En su raíz, el hip hop es la voz de la gente», concluyó.
La gran celebración del hip hop en el Yankee Stadium
Las celebraciones de los 50 años de hip hop se vienen llevado a cabo durante todo el año, pero el Día D será el viernes 11 de agosto justo donde comenzó, en el Bronx. «Hip Hop 50 Live at Yankee Stadium» tendrá una cartelera de con lo mejor del género: Run-DMC, Lil Wayne, Snoop Dogg, Ice Cube y muchos más.
